Композиторы

Михаил Иванович Глинка – великий русский композитор, родоначальник   русской классической музыки, основоположник  национальной композиторской школы.

 Михаил Иванович Глинка родился 1 июня 1804 года в имении своих родителей в селе Новоспасском Смоленской губернии. В десять лет, довольно поздно, Михаил начал учиться игре на фортепиано и скрипке. Первая учительница Глинки, гувернантка Варвара Федоровна Кламер,  была приглашена из Петербурга.

В 1822 году Михаил Иванович оканчивает Благородный пансион при Главном педагогическом институте в Петербурге, куда его привезли родители в 1817 году. Он всё больше занимается музыкой и уделяет внимание композиции, сочиняет, пробует свои силы в разных жанрах. В 1822 году появляются  его первые произведения. В этот период им были написаны хорошо известные сегодня романсы и песни: «Не искушай меня без нужды» на слова Е. А. Баратынского, «Не пой, красавица, при мне» на слова А. С. Пушкина, «Ночь осенняя, ночь любезная» на слова А. Я. Римского-Корсакова и другие. Уже в 1823 году он работает над струнным септетом, адажио и рондо для оркестра, над двумя оркестровыми увертюрами и другими произведениями.

К концу 1820-х годов, в результате крайне неудачного лечения, состояние здоровья композитора ухудшается, но это не мешает его композиторской работе. Уже в эти годы Глинка задумывается о путешествии за границу.  Он надеется, что путешествие даст ему новые музыкальные впечатления, творческий опыт, знания в области искусства, которые он не мог бы приобрести у себя на родине, а так же, что поменяв климатические условия, он поправит своё здоровье.

В конце апреля 1830 года Глинка едет в Италию. Приехав в эту страну, он поселился в Милане, который был в то время крупным центром музыкальной культуры. Композитор по-прежнему много работает над своими сочинениями. Здесь он изучает вокальный стиль бельканто (итал. bel canto) и сам много сочиняет в «итальянском духе». Значительную часть произведений этого периода составляют пьесы на темы популярных опер. Особое внимание Глинка уделяет инструментальным ансамблям.

В июле 1833 года Глинка покидает эту страну и направляется в Берлин. По пути, на некоторое время, он останавливается в Вене. Он часто и с удовольствием слушает оркестры Лайнера и Штрауса, много читает Шиллера и переписывает любимые пьесы. В Берлин Глинка приехал в октябре того же года. Месяцы, проведённые здесь, привели его к размышлениям о глубоких национальных корнях культуры каждого народа. Эта тема теперь приобретает для него особую актуальность. Он готов сделать решительный шаг в своем творчестве. “Мысль о национальной музыке (не говорю ещё оперной) более и более прояснялась”, – отмечает Глинка. В Берлине Глинка, под руководством немецкого теоретика Зигфрида Дена, работает в области композиции, полифонии, инструментовки, что помогает привести  в порядок его музыкально-теоретические познания.

Получив в 1834 году известие о смерти отца, Глинка возвращается в Россию. Композитор вернулся с обширными планами создания русской национальной оперы. “Запала мне мысль о русской опере; слов у меня не было, а в голове вертелась “Марьина роща”, – говорил Глинка.

По приезду в Петербург он стал частым гостем у Жуковского, где  еженедельно собиралось избранное общество, которое  занималось литературой и музыкой. Постоянными посетителями этих вечеров были Пушкин, Вяземский, Гоголь, Плетнёв. “Когда я изъявил свое желание приняться за русскую оперу, – пишет Глинка, – Жуковский искренно одобрил моё намерение и предложил мне сюжет Ивана Сусанина. Сцена в лесу глубоко врезалась в моем воображении; я находил в ней много оригинального, характерного для русских”.

В конце апреля 1835 года  композитор женится на своей дальней родственнице Марье Петровне Ивановой и отправляется с ней в Новоспасское, где принимается за написание оперы “Иван Сусанин”. Премьера ее состоялась 27 ноября 1836 года на сцене Петербургского Большого театра. Название оперы было изменено. В новом варианте она  называлась  «Жизнь за царя». Успех  был огромным.

Первое представление новой оперы, “Руслан и Людмила”, состоялось 27 ноября 1842 года, ровно через шесть лет после премьеры “Ивана Сусанина”. Однако новая опера Глинки, в сравнении с “Иваном Сусаниным”, вызвала более сильную критику. Композитор тяжело это переживал. Он уезжает в длительное заграничное путешествие – на этот раз во Францию и Испанию. В Париже Глинка знакомится с французским композитором Гектором Берлиозом, который стал большим почитателем его таланта. Михаил Иванович решает дать благотворительный концерт из своих сочинений. 10 апреля 1845 года в Париже с успехом прошёл большой концерт русского композитора в концертном зале Герца на улице Победы.

Затем Глинка едет в Испанию.  Творческим результатом этой поездки явились две симфонические увертюры, написанные на испанские народные темы. Осенью 1845 года была создана увертюра «Арагонская хота». По возвращении в Россию, в 1848 году, Глинка продолжает изучать традиции народной испанской музыки.  Затем появляется новое произведение – «Ночь в Мадриде». 

Находясь за границей, Глинка все время думает о Родине. Он пишет симфоническую фантазию «Камаринская» на темы двух русских песен: свадебной лирической «Из-за гор, гор высоких» и бойкой плясовой. В этом произведении Глинка утвердил новый тип симфонической музыки и заложил основы её дальнейшего развития, показав сочетание различных ритмов, характеров и настроений. 

Под непосредственным влиянием Глинки складывалась русская вокальная школа. Он первый из светских композиторов стал сочинять и обрабатывать церковные мелодии в русском стиле.

Последние годы Глинка постоянно путешествовал и жил в Петербурге, в Варшаве, в Париже, в  Берлине из-за вражды и преследований, которым он подвергался.

Личная жизнь композитора не сложилась и самым близким другом в конце жизни была его любимая младшая сестра Людмила Ивановна Шестакова. Для её маленькой дочки Оли Глинка сочинил некоторые фортепианные произведения.

В 1856 году в Берлине Глинка неожиданно заболел. Михаил Иванович умер 15 февраля 1857 года. Его прах перевезли в Петербург и похоронили на кладбище Александро-Невской лавры.

Произведения:

Оперы: «Жизнь за царя» (1836),  «Руслан и Людмила» (1837-1842)

Симфонические произведения: Симфония на две русские темы (1834, окончена и оркестрована В.Шебалиным); Музыка к трагедии Н. В. Кукольника «Князь Холмский» (1842); Испанская увертюра № 1 «Блестящее каприччи на тему Арагонской хоты» (1845); «Камаринская», фантазия на две русские темы (1848); Испанская увертюра № 2 «Воспоминания о летней ночи в Мадриде» (1851); «Вальс-фантазия» (1839, 1856)

Камерно-инструментальные сочинения: Соната для альта и фортепиано (неоконченная; 1828, доработана В. Борисовским в 1932); Блестящий дивертисмент на темы из оперы Беллини «Сомнамбула» для фортепианного квинтета и контрабаса; Большой секстет Es-dur для фортепиано и струнного квинтета (1832); «Патетическое трио» d-moll для кларнета, фагота и фортепиано (1832)

Романсы и песни: «Венецианская ночь» (1832); «Я здесь, Инезилья» (1834); «Ночной смотр» (1836); «Сомнение» (1838); «Ночной зефир» (1838); «В крови горит огонь желанья» (1839); свадебная песня «Дивный терем стоит» (1839); «Попутная песня» (1840); «Признание» (1840); «Слышу ли голос твой» (1848); «Заздравный кубок» (1848); «Песнь Маргариты» из трагедии Гете «Фауст» (1848); «Мери» (1849); «Адель» (1849); «Финский залив» (1850); «Молитва» («В минуту жизни трудную») (1855); «Не говори, что сердцу больно» (1856)

Гимн Российской Федерации Патриотическая песня Михаила Глинки в период с 1991 по 2000 год являлась официальным гимном Российской Федерации.

 

Николай Андреевич Римский-Корсаков – выдающийся русский композитор, общественный деятель, педагог, дирижер – оставил огромное творческое наследие. Оно включает 15 опер, 3 симфонии, ряд оркестровых сочинений, романсы. Ему принадлежат также два сборника русских народных песен, книги и статьи по различным вопросам музыкального искусства. Широко использовал мотивы народных былин и сказок, сокровища русского песенного фольклора.  

Николай Андреевич Римский-Корсаков родился 18 марта 1844 г. в Тихвине недалеко от Петербурга. Музыкальные способности мальчика проявились рано, но по семейной традиции в 12-летнем возрасте его определили в Морской корпус в Петербурге.  После окончания учебного заведения, в 1862 – 1865 годах, участвовал в плавании на клипере «Алмаз»,  благодаря чему побывал в странах Европы, Северной и Южной Америки.
В 1861году Николай Андреевич стал членом кружка «Могучая кучка». Его участниками были известные русские композиторы – Кюи, Мусоргский, а позднее и Бородин. Руководил им  композитор Балакирев – великолепный пианист, играющий все на память, новые мысли и суждения, большой композиторский талант –  все эти качества оказали большое  влияние на эстетические взгляды молодого Римского-Корсакова и сформировали его как личность.  Он познакомился с сочинениями молодого человека и понял, что семнадцатилетнему кадету суждено стать великим музыкантом и предложил ему написать симфонию. С этого времени Римский-Корсаков решил посвятить свою жизнь музыке. Он с головой окунулся в работу над своей Первой симфонией и завершил ее в декабре 1865 года. Произведение было еще незрелым, чувствовалось, что молодой композитор находится в творческом поиске. Однако уже в Первой симфонии чувствовался сильный, самобытный талант.
В 1871 году Римский-Корсаков был принят в число профессоров Петербургской консерватории и занимал эту должность на протяжении почти сорока лет. Одно из значительных произведений раннего творчества – симфоническая картина “Садко”. Здесь композитор нашел свой художественный стиль. Ему очень точно удалось передать впечатление неторопливого могучего движения волн. «Садко» был триумфально встречен публикой, и, воодушевленный успехом, Николай Андреевич пишет симфоническую сюиту «Антар». Основой сюжета произведения стала  восточная сказка Сенковского. Содержание сказки раскрыто композитором как ряд ярких музыкальных картин, сменяющих друг друга. Сюита «Антар» тоже оказалась успешной, и молодого композитора начали признавать мастером симфонической музыки. Интерес к музыке Востока был характерен для русских композиторов XIX века. В дальнейшем эта тема стала одним из важных в творчестве  Римского-Корсакова.
В 1872 году он добивается очередного успеха –  завершает оперу «Псковитянка». Это произведение о судьбе народа в эпоху объединения Руси и образования мощного Русского государства. Сюжет ее взят из одноименной пьесы известного русского поэта и драматурга Л.А.Мея. Главное действующее лицо оперы — Иван Грозный показан сложным и противоречивым человеком. Величавая мелодия распева при появлении царя — одна из многих удачных находок «Псковитянки». Она очень значительно оценивалась композитором: позднее он повторил ее в опере «Царская невеста». «Псковитянку» называют высшим достижением первого периода творчества композитора.
В 1873 году и по 1884 год Римский-Корсаков был назначен  и служил инспектором духовых оркестров военно-морского ведомства, а затем директором «Бесплатной музыкальной школы» (1874 – 1881). В это время была написана опера – «Майская ночь». Николай Андреевич говорил, что Гоголь – это один из его любимых писателей, а его «Майская ночь» – одно из его самых лучших произведений. В «Майской ночи» композитор сумел показать соединение двух миров: мира реального и фантастического. Премьера оперы состоялась 9 января 1880 года в Мариинском театре под управлением Э.Ф.Направника. Публика была в восторге. Следующая опера – «Снегурочка» по сказочной пьесе А.Н.Островского была исполнена  впервые в 1881 году. И вновь триумф. В этих произведениях композитор использовал изучение русской и украинской народной песни и отразил свою увлечённость сказочностью и языческой мифологией. Середина 90-х годов становится временем  наиболее интенсивного творческого подъема. За фантастической оперой-балетом “Млада” (1889) следуют опера-колядка “Ночь перед Рождеством” (1895), опера-былина “Садко” (1896), лирические оперы “Боярыня Вера Шелога” (1898) и др.
С 1883-го по 1894 год Николай Андреевич является помощником управляющего Придворной певческой капеллой и выступает в качестве дирижера оперных спектаклей и симфонических концертов.
Творчество позднего Римского-Корсакова отличается тонким психологизмом. Композитор обращается к раскрытию внутреннего мира человека, что особенно проявилось в операх «Моцарт и Сальери» (на текст А.С.Пушкина, 1897 год), «Боярыня Вера Шелога», «Царская невеста» (1898).
На рубеже XIX- XX веков внимание композитора вновь привлекает опера-сказка. Он отдает дань новым тенденциям русского музыкального искусства.  Под воздействием новых настроений в обществе творчество приобретает иной, чем прежде, идейный смысл. «Сказка о царе Салтане» (1990), «Кащей Бессмертный» (1902), «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» (1904). Последняя опера композитора  «небылица в лицах» – «Золотой петушок»  содержала едкую сатиру на самодержавие.
Вклад в русскую музыкальную культуру Николая Андреевича Римского-Корсакова неоценим.
Его индивидуальность более всего раскрылась в операх. Интерес к истории, быту, обычаям народа, а так же мотивы народных былин и сказок, русский песенный фольклор – широко использовались композитором в его творчестве.
Дирижёрская деятельность Римского-Корсакова имела важное просветительское значение. Через нее он  знакомил слушателей  с произведениями русских композиторов. Благодаря его редакторской работе  были опубликованы и исполнены многие произведения русской музыки -«Каменный гость» Даргомыжского, «Князь Игорь», «Борис Годунов», «Хованщина».  Как педагог  Римский-Корсаков воспитал 200 композиторов, дирижёров, музыковедов, среди которых — А. К. Глазунов, А. К. Лядов, А. С. Аренский, М. М. Ипполитов-Иванов, И. Ф. Стравинский, Н. Я. Мясковский, С. С. Прокофьев, М. А. Баланчивадзе, Я. Витол, Н. В. Лысенко, А. А. Спендиаров и стал  создателем композиторской школы.
Николай Андреевич Римский-Корсаков умер 21 июня 1908 года в усадьбе Любенск под Петербургом.
В 1944 в городе Тихвин открыт Дом-музей. В 1971 в Ленинграде — Музей-квартира Римского-Корсакова.

Сочинения:
Оперы:
«Псковитянка»  ( по одноимённой драме Л. А. Мея), «Майская ночь» (по одноимённой повести Н. В. Гоголя), «Снегурочка» (по одноимённой пьесе А. Н. Островского), «Млада», «Ночь перед Рождеством» (по одноим. повести Гоголя), «Садко», «Моцарт и Сальери» (текст А. С. Пушкина), «Боярыня Вера Шелога», «Царская невеста» (по одноим. драме Мея), «Сказка о царе Салтане» (по сказке Пушкина), «Сервилия» ( по одноим. драме Мея), «Кащей бессмертный» (по сюжету Е. М. Петровского),  «Пан воевода», «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии»», «Золотой петушок» (по сказке Пушкина).
Кантаты:
«Свитезянка»  (слова А. Мицкевича, для сопрано, тенора, смешанного хора), «Песнь о вещем Олеге» (слова Пушкина, для тенора, баритона, мужского хора),  «Из Гомера» (прелюдия-кантата, для сопрано, меццо-сопрано, контральто, женского хора);
для оркестра –
симфонии:
Симфония № 1,  № 2; “Антар”, позже- симфоническая сюита;  Увертюра на темы трёх русских песен; музыкальная картина «Садко»; «Сербская фантазия» (Фантазия на сербские темы); «Сказка»; Симфониетта на русские темы ( переделана из неопубликованного струнного квартета); Малороссийская фантазия ( не окончена),  Испанское каприччио (Каприччио на испанские темы), сюита «Шехеразада»; «Светлый праздник» (Воскресная увертюра); «Над могилой» (прелюдия памяти М. П. Беляева; « Дубинушка» (со смешанным хором); « Здравица» (А. К. Глазунову); « Неаполитанская песенка»; 
для инструмента с оркестром –
концерт для фортепиано, фантазия для скрипки, Мазурка на 3 польские темы для скрипки (редакция для скрипки и фортепиано), Серенада для виолончели;
для инструмента с духовым оркестром:
концерт для тромбона,  концертштюк для кларнета,  вариации на тему Глинки для гобоя ;
камерно-инструментальные ансамбли:
фортепианное трио;  фуга «В монастыре»; 4 вариации на хорал;  Хоровод (3-я часть из коллективного струнного квартета «Именины»; струнный квартет G-dur; Allegro B-dur (из коллективного струнного квартета «Пятницы»), тема и 4-я вариация (из коллективных Вариаций на русскую тему, для струнного квартета); Канцонетта и Тарантелла для 2 кларнетов; 2 дуэта для 2 валторн;  Ноктюрн для 4 валторн и др.
для фортепиано:
6 вариаций на тему BACH (Вальс, Интермеццо, Скерцо, Ноктюрн, Прелюдия и фуга; 4 пьесы (Экспромт, Новелетта, Скерцино, Этюд), 3 пьесы (Вальс, Романс, Фуга); пьесы (Колыбельная, Маленькая фуга на тему BACH, Тарантелла, Менуэт, Трезвон, Комическая фуга) из коллективных Парафраз на неизменную тему; Песенка (Andantino) из армейского сборника “Арцункнер” (“Слёзы”); Финал из коллективной Шутки-кадрили в 4 руки и др.
Стих об Алексее, божием человеке;  79 романсов
обработки народных песен, сборники 100 русских народных  песен, собрание духовно-музыкальных сочинений (8 номеров из Литургии Иоанна Златоуста, собрание духовно-музыкальных переложений, двойной хор «Тебе бога хвалим» и мн. другие.  

 
Петр Ильич Чайковский  1840 – 1893

ЧАЙКОВСКИЙ, ПЕТР ИЛЬИЧ великий русский композитор, музыка которого отличается красочностью, романтичностью и необычайным мелодическим богатством. 
Родился 25 апреля (7 мая) 1840 в Воткинске (Вятская губерния), в семье начальника Камско-Воткинского завода, горного инженера И.П.Чайковского и Александры Ассиер.

Чайковский рос очень нежным, чувствительным ребенком, и его болезненность особенно обострилась после смерти любимой матери (1854). В детстве получил домашнее воспитание, а затем, после двух лет занятий в пансионе, поступил в петербургское Училище правоведения (1852). Окончив его в 1859, стал чиновником Департамента юстиции.

 С 14 лет начал проявлять склонности к композиции, в 1860 или 1861 опубликовал романс на итальянский текст и тогда же, совершив путешествие по Западной Европе (1861), решил заняться музыкой, прежде всего гармонией, под руководством Н.И.Зарембы.

В 1862 он поступил в только что открытую Петербургскую консерваторию и в следующем году оставил государственную службу, чтобы полностью посвятить себя занятиям музыкой. Он занимался композицией и оркестровкой у директора консерватории А.Г.Рубинштейна и за время обучения создал несколько произведений, в том числе увертюру Гроза по одноименной пьесе А.Н.Островского и кантату К Радости на стихи Ф.Шиллера. В 1866, сразу после окончания консерватории, был приглашен на должность профессора гармонии в Московскую консерваторию, открытую в том же году братом Антона Рубинштейна – Николаем Рубинштейном.

В течение первых двух лет в Москве Чайковский сочинил свою Первую симфонию (Зимние грезы, 1866) и первую оперу Воевода, которая была поставлена в Москве в 1869 (после премьеры уничтожена автором и восстановлена через много лет после его смерти по сохранившимся оркестровым партиям). Вторая опера, Ундина, была представлена в дирекцию Императорских театров, но не дошла до сцены и впоследствии была уничтожена автором (ее материал частично вошел в балет Лебединое озеро). Оркестровая увертюра Ромео и Джульетта получила после премьеры довольно жесткую оценку критики, но после значительной переработки в 1870 и 1880 это сочинение стало одним из самых популярных в оркестровом наследии композитора. Удача начала поворачиваться лицом к музыканту в первые годы следующего десятилетия, когда появились Вторая и Третья симфонии (1872, 1875), три струнных квартета (1871, 1874, 1876), Первый фортепианный концерт си-бемоль минор, а затем оркестровая фантазия Франческа да Римини (1876) и Вариации на тему рококо для виолончели с оркестром (1877). Две следующие оперы Чайковского – Опричник и Кузнец Вакула (вторая из них стала победительницей на конкурсе, объявленном дирекцией Императорского русского музыкального общества) и балет Лебединое озеро были поставлены соответственно в 1874, 1876 и 1877.

К перечню его работ этого периода можно прибавить заграничные поездки – в Швейцарию, Италию, в Париж и Байройт. Но в 1877 произошли два очень важных события. Первое – начало загадочной дружбы Чайковского с Надеждой фон Мекк, вдовой, обладательницей огромного состояния, обожавшей музыку вообще и в особенности музыку Чайковского, в течении многих лет поддерживавшей композитора, но не желавшей с ним встречаться. Второе – женитьба Чайковского на Антонине Милюковой. В 1876 он говорит в письме к брату о своем решении жениться  и тем самым заткнуть рты сплетникам. Последствия оказались ужасными: Чайковский попытался покончить с собой, но так и не сумев сделать этого, срочно уехал от жены. Чайковский много лет обеспечивал Милюкову, но никогда более не встречался с ней; она умерла в 1917, последние два десятилетия своей жизни провела в приюте для умалишенных. Зиму 1877/1878 Чайковский прожил с братом Модестом в Швейцарии и Италии, где завершил два шедевра – Четвертую симфонию и оперу Евгений Онегин. Надежда фон Мекк назначила композитору стипендию в размере 6000 рублей в год (ее выплата была прервана внезапно в 1890), что позволило ему оставить педагогическую деятельность и сосредоточиться исключительно на творчестве.

 

А. П. Бородин (1833-1887)
 

Родился 12 ноября 1833 года в Петербурге.

С ранних лет проявил незаурядные способности и интерес к музыке и естественным наукам. Обучался игре на фортепьяно, флейте, виолончели. В 14-15-летнем возрасте написал несколько камерно-инструментальных произведений.

В 1850 году поступил в Медико-хирургическую академию. В 1858 году защитил диссертацию и получил степень доктора медицины.

В 1859 году для музыкального совершенствования Бородин был послан за границу, где провел три года. Знакомство в 1862 году с Балакиревым и членами его кружка произвело “решительный поворот в художественной жизни” композитора. Впоследствии членов этого содружества Стасов назвал “Могучей кучкой”.

В 1864 году Бородин был назначен профессором Медико-хирургической академии; все свободное время он упорно отдает музыке. В 1867 году была закончена первая симфония.

В 1876 году Бородиным была написана вторая симфония – “Богатырская”, которая стала знаменитой. В конце 70-х годов музыка Бородина начинает завоевывать признание за границей. Определенную роль в этом сыграл Ференц Лист, с большой симпатией относившийся к русской школе.

Скончался Бородин 27 февраля 1887 года в Петербурге.

Классик русской музыки, автор всемирно известной оперы “Князь Игорь” и один из создателей классической симфонии, Бородин был и крупнейшим ученым-химиком, сподвижником Менделеева и Бутлерова. Он вошел в науку как автор более сорока опубликованных работ.

Это интересно

Во Владимирской области есть село Давыдово, в центре которого находится народный музей А. П. Бородина. Именно здесь  в течение трех летних сезонов композитор работал над созданием оперы “Князь Игорь”. Бородин приезжал сюда на лето, здесь родина его ученика и ассистента Александра Павловича Дианина и дом его отца, в который и приезжал Бородин.

“Давыдовом я доволен донельзя, – писал по приезде Бородин, – как здесь хорошо! Какие леса, рощи, бор, поймы. Что за воздух… погода стоит превосходная, и я, собственно, теперь чувствую лето, всем существом чувствую. Очень хорошо здесь!”.

 

А.С. Даргомыжский (1813-1869)

Младший современник и последователь М.И. Глинки. В историю русской музыки вошел как смелый новатор, “великий учитель музыкальной правды” (так назвал его Мусоргский).

Родился Даргомыжский  в селе Троицком Тульской губернии. Его отец, Сергей Николаевич, был внебрачным сыном богатого дворянина и владел землями в Смоленской губернии. Мать, урождённая княжна Мария Борисовна Козловская, вышла замуж против воли родителей; она была хорошо образована, писала стихи и небольшие драматические сцены, публиковавшиеся в альманахах и журналах в 1820-е – 30-е годы.Особенно интересны стихотворения, написанные ею для своих детей, большей частью наставительного характера, которые вошли в сборник: “Подарок моей дочери” (“Детский альманах”, Санкт-Петербург, 1827), живо интересовалась французской культурой. В семье было шестеро детей: Эраст (р. 1811), Александр, Софья (р. 1815), Виктор (р. 1816), Людмила (р. 1827) и Эрминия (р. 1827). Все они воспитывались дома, в традициях дворянства, получили хорошее образование и унаследовали от матери любовь к искусству. Один из братьев Даргомыжского прекрасно играл на скрипке, участвуя в камерном ансамбле на домашних вечерах; одна из сестер хорошо играла на арфе и сочиняла романсы.

До пятилетнего возраста Даргомыжский вовсе не говорил, и его поздно сформировавшийся голос остался навсегда писклявым и хрипловатым, что не мешало ему, однако, впоследствии трогать до слез выразительностью и художественностью вокального исполнения. Образование Даргомыжский получил домашнее, но основательное; он прекрасно знал французский язык и французскую литературу. Играя в кукольный театр, мальчик сочинял для него небольшие пьески-водевили, а в шесть лет стал учиться играть на фортепиано. Его учитель, Адриан Данилевский, не только не поощрял влечения своего ученика с 10-летнего возраста к сочинению, но истреблял его композиторские опыты.

С 10 лет сочиняет первые пьесы для фортепиано и романсы. К 18 годам –множество сочинений для фортепиано, скрипки, 2 квартета, кантаты, романсы. Некоторые произведения напечатаны. Дальнейшее совершенствование – в общении с Глинкой (познакомились в 1835 г.).

Знакомство с Глинкой (1834), вскоре перешедшее в близкую дружбу, привело к мысли серьезно заняться музыкой: он начал углубленно изучать теорию композиции и инструментовку. Первое крупное сочинение Даргомыжского – опера “Эсмеральда” (по роману Виктора Гюго “Собор Парижской богоматери”).

 В следующем произведении, опере-балете “Торжество Вакха”, он обратился к Александру Пушкину, с поэзией которого в большей степени связано все его последующее творчество.

Вершиной творчества композитора явилась опера “Русалка”, законченная в 1855 году. Последним оперным произведением Даргомыжского был “Каменный гость” (по одноименной “маленькой трагедии” Пушкина). Не изменяя подлинного текста великого поэта, композитор создал оперу, состоящую из одних речитативов, которые не теряя напевности, передавали, по словам Стасова, “все оттенки, все краски … человеческой речи”. Опера осталась незаконченной и, согласно завещанию автора, была дописана Ц. А. Кюи и оркестрована Римским-Корсаковым (поставлена в 1872 году). Это произведение явилось смелым опытом реформы оперного жанра и оказало значительное влияние на дальнейшее развитие русской оперы.

 

Иоганнес Брамс  (1833-1897)

Имя Иоганнеса Брамса олицетворяется в немецкой музыке с направлением, выступавшим против «музыки будущего», как иронично называли сторонников программной музыки Листа и музыкальной драмы Вагнера.

Идя путями, отличными от листовских и вагнеровских, Брамс создал уникальные симфонические, камерные, фортепианные и вокальные произведения, основанные на традициях народной музыки и национальной немецкой классики. Эти сочинения заняли достойное место в классическом музыкальном наследии.

Иоганнес Брамс родился 7 мая 1833 года в Гамбурге, в семье музыканта. Отец композитора, бывший валторнист в военном оркестре городской гвардии, зарабатывал на жизнь игрой на контрабасе в небольших гамбургских театрах иночных ресторанах. Ежедневные репетиции отца способствовали росту интереса маленького Иоганнеса к музыке.

До 1848 года Брамс безвыездно жил в Гамбурге. Здесь он получил домашнее музыкальное образование, но среди его педагогов не было сколько-нибудь выдающихся музыкантов, исключением является Эдуард Марксен, дававший уроки по теории музыки.

Таким образом, практически всем, что так ценится слушателями в его творчестве, Брамс обязан в большей степени не учителям, а своей настойчивости, трудолюбию, таланту и осознанию нужности избранного дела, которые позволили ему достичь вершин художественного мастерства.

Успехи Иоганнеса в фортепианной игре не остались незамеченными, вскоре он начал выступать в открытых концертах, где исполнял произведения Баха, Моцарта, Бетховена, а также свои собственные сочинения. Конечно, игра Брамса не была столь блестящей и виртуозной, как игра Ференца Листа, но в ней ощущалась большая внутренняя сосредоточенность, глубина мысли и чувства.

На протяжении нескольких лет Брамс работал пианистом в ночных ресторанах, а также в городском театре Гамбурга, где играл за кулисами танцевальные мелодии. Эта работа угнетающе действовала на молодого музыканта, тем не менее она способствовала росту его творческого мастерства.

Брамсу пришлось непосредственно соприкоснуться с немецкой народной музыкой, а также с бытовыми городскими мелодиями ( лендлеры, популярные немецкие песни и танцы), которые в дальнейшем стали интонационной основой лучших произведений талантливого композитора. В некоторых своих сочинениях он использовал истинно народные мелодии, в других создавал свою музыку, близкую народно-бытовой.

 

Фридерик Шопен (1810-1849) 

Шопен  классик польской музыки. Его имя стоит рядом с именами таких гениальных музыкантов, как И. С. Бах, Моцарт, Бетховен, Чайковский.

Одно из замечательных свойств музыки Шопена – ее доходчивость. Она словно бы идет от “сердца к сердцу”. Этот композитор обладал редким мелодическим даром. Подобно музыке Глинки, произведения Шопена насквозь пронизаны славянскими интонациями, чутким ощущением красоты польской народной песни, польских танцевальных ритмов. При этом источником его мелодического языка были не только старинные крестьянские песни, но и современная ему бытовая песенно-романсовая музыка города, близкая и понятная великому множеству людей. 
Фридерик Шопен родился в 1810, вероятно, 22 февраля, в Желязовой Воле под Варшавой. Его отец Никол (Миколай) Шопен, французский эмигрант, служил гувернером и школьным учителем;

мать воспитывалась в дворянской семье. Уже ребенком Шопен проявил яркие музыкальные способности; в 7 лет его начали учить игре на фортепиано, и в том же году был издан сочиненный им маленький полонез соль минор. Вскоре он стал баловнем всех аристократических салонов Варшавы. В богатых домах польской знати он приобрел вкус к роскоши и подчеркнутую изысканность манер.

В 1823 Шопен поступил в Варшавский лицей, продолжая заниматься музыкой частным образом с Иосифом Эльснером, директором Варшавской консерватории. В 1825 его пригласили выступить перед российским императором Александром I, и после концерта он получил награду – бриллиантовый перстень. В 16 лет Шопен был принят в консерваторию; ее окончание в 1829 формально завершило музыкальное образование Шопена. В том же году, стремясь познакомить со своим искусством издателей и публику, Шопен дал два концерта в Вене, где критики высоко оценили его произведения, а дамы – превосходные манеры. В 1830 Шопен сыграл три концерта в Варшаве, а затем отправился в поездку по Западной Европе. Находясь в Штутгарте, Шопен узнал о подавлении польского восстания. Считается, что падение Варшавы стало поводом для сочинения до-минорного этюда, который иногда называют «революционным». Это произошло в 1831, и после этого Шопен никогда не возвращался на родину.
В 1831 Шопен поселился в Париже. Он любил выступать в домах своих друзей и покровителей, хотя нередко отзывался о них с иронией. Его очень ценили как пианиста, особенно когда он исполнял собственную музыку в небольших домашних собраниях. За всю свою жизнь он дал не более трех десятков публичных концертов. Его исполнительский стиль был весьма своеобразен: по отзывам современников, этот стиль отличала необычайная ритмическая свобода – Шопен был, если можно так выразиться, пионером рубато, он с большим вкусом артикулировал музыкальную фразу, продлевая одни звуки за счет сокращения других.

В 1836 Шопен направился в Чехию повидаться с родителями. Находясь в Мариенбаде, он увлекся юной полькой Марией Водзиньской. Однако их помолвка была вскоре расторгнута. Осенью того же года в Париже он познакомился с выдающейся женщиной – баронессой Дюдеван, о жизни которой в Париже ходило немало сплетен и которая приобрела к тому времени широкую литературную известность под псевдонимом Жорж Санд. Шопену было тогда 28 лет, мадам Санд – 34. Их союз продолжался восемь лет, причем большую часть этого времени они провели в семейном поместье писательницы в Ноане.

 

Владимир Шаинский фото

Владимир Яковлевич Шаинский (12.12.1925 – 25.12.2017) – композитор и актер, лауреат Государственной премии СССР. Оставил огромный пласт культурного наследия в детской музыке советского времени. Представляем вам наш вариант краткой биографии Владимира Шаинского

Детские и юношеские годы

Шаинский родился 12 декабря 1925 года в Киеве в семье химика Якова Борисовича и биолога Иты Менделевны. Никто не думал, что дальнейшая биография Шаинского Владимира Яковлевича будет связана с музыкой. Однако с 9 лет он начал постигать искусство игры на скрипке, а на следующий год очутился в классе спецшколы при Киевской консерватории.

С началом вторжения гитлеровских войск в Украину, Шаинский в 16-летнем возрасте был эвакуирован вместе с родителями в Узбекистан. В Ташкенте он продолжил учебу в местной консерватории, а на третий год войны был мобилизован в Красную Армию. Службу рядовой Шаинский нес в полку связи в Средней Азии. В годы службы им была написана первая песня о нелегкой службе связистов.

В 1945 году Владимир Яковлевич поступает в оркестровый факультет Московской консерватории. Закончив ее, до 1948 года работал с Леонидом Утесовым, а позже стал обучать детей скрипке.

Творческая деятельность

В 1962 году Шаинский едет в Азербайджан, где собирается учиться на композитора в Баку. Спустя два года учебы он, используя полученные знания, написал симфонию. Владимир Яковлевич был большим поклонником П. И. Чайковского.

Окончив учебу, карьера Владимира Яковлевича начала стремительно развиваться: было написано более 400 музыкальных композиций и песен, причем большинство композиций написаны специально для детей.

Владимир Шаинский за свои достижения в развитии советской и российской культуры и искусства награжден тремя орденами и был отмечен многими премиями и знаками отличия.

Неувядаемая память

Владимир Шаинский навсегда увековечил свое имя в знакомых с детства мелодий. Его творчеством являются композиции к мультфильмам про Чебурашку и о дружной компании из деревни Простоквашино, «Катерок», «Крошка Енот», к детскому телевизионному журналу «Карусель». Плодами его творчества являются мелодии к песне «Облака» и кинофильмам «Школьный вальс», «Финист – ясный сокол», «Завтрак на траве». 
Легкие, непринужденные, узнаваемые и легко запоминающиеся мелодии и поныне звучат на многих детских праздниках.

 

 

Rating: 5.0/5. From 1 vote.
Please wait...

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *